O funk 
na escola

As origens do funk remontam aos campos agrícolas norte-
americanos onde labutavam os negros libertos. Migrando para os centros urbanos, os cantos de trabalho misturaram-se aos cânticos religiosos, gerando o soul. Este teve em James Brown um grande ícone, cujas influências marcaram diversos artistas em várias partes do mundo.

Nos anos 1960, os acordes e batidas de Elvis, Chuck Berry e Little Richard enchiam os bailes dos clubes e associações de bairro, transformados em opções de lazer para a juventude da periferia das grandes cidades interessada na afirmação da própria identidade e no reconhecimento social. Alertas à força desse movimento, as rádios passaram a disseminar a chamada música negra.

Leia atividade didática de Educação Física inspirada neste texto

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O advento do hip-hop nos anos 1970 revolucionou a música negra e modificou comportamentos.

Nascido no Bronx, um bairro pobre de Nova York, difundiu-se rapidamente pelo Ocidente, alcançando as periferias das metrópoles brasileiras. Dentre suas inovações destacou-se a discotecagem autoral, que consistia na criação de músicas ao vivo pelo DJ (Disc Jockey) com o recurso da mixagem.

O som eletrônico e a colagem de músicas geraram o clima propício para o surgimento do break dance ,ou simplesmente break, cuja gestualidade se inspirava em James Brown e acrescentava movimentos rápidos de pernas e performances próximas ao chão.

Enquanto os concursos de break  tornavam-se habituais na programação das emissoras de tevê, os dançarinos agitavam as massas que frequentavam os bailes. A tendência deu origem ao MC (Master of Cerimony). Além dos já citados, o hip-hop contribuiu com mais um elemento para o funk, o rap, um discurso ritmado em forma de poesia pronunciada pelo rapper.

Ainda na década de 1970, o soul de Tim Maia, recém-chegado de uma temporada nos Estados Unidos, e as coreografias executadas por Toni Tornado conquistavam adeptos.

Reunindo centenas de jovens e definindo os rumos da cultura da periferia, as equipes de baile do Rio de Janeiro (Furacão 2000, Cashbox, Black Power e Arte Negra, entre outras) inspiravam-se nos dois principais representantes da música negra brasileira e se apresentavam nos eventos patrocinados pelo poder público, que via na iniciativa uma forma eficaz de manter os jovens da periferia afastados das zonas ricas da cidade, nas quais as noites eram animadas ao som das discotecas.

A fusão do soul com a disco music ou, em francês, discothèque, gerou a disco-funk. O gênero chegou ao Brasil nos anos 1980, tendo em Michael Jackson seu principal expoente. No mesmo contexto, surgiu o charme, uma música romântica tocada nos intervalos da batida sincopada, convidando os frequentadores a executar coreografias mais elaboradas.

No Rio de Janeiro, o funk recebeu mais uma influência importante: o Miami bass. Trata-se de um estilo de música eletrônica com batida continuada, dança acelerada e letras de conteúdo sexual. Como contraponto surgiu o funk melody, opção daqueles que preferem um ritmo mais intenso e dançante, com vocais e arranjos melódicos e românticos vistos como pura poesia.

O funk chegou a São Paulo por meio da Baixada Santista, onde, ao longo dos anos 1990, equipes de som reproduziram o visual e o formato das congêneres cariocas e disseminaram o estilo nos bailes das comunidades.

Em busca de uma identidade paulista que representasse a população da periferia da metrópole, surgiu o funk ostentação como forma de resistência às músicas que fazem apologia do consumo de drogas, sexo e criminalidade.

Inspirado nos rappers americanos, o funk ostentação enaltece sinais de luxo e riqueza. Os clipes retratam MCs que usam correntes de ouro, possuem motos e automóveis caros e se fazem acompanhar de mulheres bonitas.

É uma forma de representar os desejos de uma parcela dos jovens da periferia e divulgar um projeto de vida possível através da música. Produzidas como a voz dessa população, as letras apelam para o seu fortalecimento identitário, afastando-a da violência.

Não há como negar que os funkeiros perceberam um grande filão de mercado praticamente ignorado pela indústria cultural. Ao narrar a realidade e sonhos da periferia, atingiram um público gigantesco e transformaram o funk em um produto altamente rentável e consumível também pelos setores médios. Veja-se sua presença maciça nos meios de comunicação e a transformação dos seus protagonistas em celebridades.

Esse breve apanhado histórico evidencia que o funk, assim como qualquer outra dança, é uma das formas utilizadas pelos grupos culturais para expressar ideias e sentimentos. Por meio da dança, as pessoas atribuem significados às próprias experiências e narram seu modo de entender o mundo.

O funk nada mais é do que um artefato cultural, um produto das relações existentes na sociedade, um texto passível de leitura e significação. A análise dos seus signos permitirá identificar os valores, procedimentos e características dos seus representantes.

Para um trabalho pedagógico centrado no funk, inversamente à tradicional abordagem restrita à fragmentação e ensaio de coreografias, o que se propõe é a tematização. Isso inclui, além da vivência, a análise e discussão de seus inúmeros aspectos (história, tipologia, vestimentas, transformações, gestos utilizados etc.)

Tematizar o funk nas aulas contribuirá, em primeiro lugar, para que os estudantes que apreciam o estilo se reconheçam como sujeitos. Não é segredo que as relações de poder posicionam algumas danças como desejáveis enquanto outras são desconsideradas ou até censuradas na escola. Evidentemente, isso precisa ser discutido. Analisar a representação social dessa dança ou de qualquer outra é uma atividade de ensino imprescindível. Isso implica investigar o teor dos discursos das mídias, autoridades, movimentos sociais e grupos étnicos, sem esquecer aqueles que habitam o ambiente escolar.

Um olhar desatento à variedade que caracteriza o funk pode gerar a falsa impressão da exclusividade de letras de cunho erótico. O que não passa de um posicionamento reducionista.

Há o funk carioca, funk melody, new funk, funk gospel, techno, pancadão e batidão, entre tantos outros. Para deslocar os alunos da mera condição de consumidores e reposicioná-los como produtores culturais, sugere-se a promoção de situações didáticas em que vários modos de dançar funk sejam confrontados com os conhecimentos do grupo e os argumentos disponíveis em vídeos, documentários, livros, jornais e revistas.

Ao tomar contato com diferentes representações sobre o estilo e conhecer os sentidos que lhe foram (e são) atribuídos em diferentes tempos e lugares, a parcela da turma que vê o estilo com comedimento terá oportunidade de desmistificá-lo. Visões distorcidas sobre o funk e sobre os funkeiros serão revistas, fazendo surgir outra forma de compreender essa prática cultural e os seus protagonistas. No mínimo, os estudantes aprenderão a questionar os discursos que contribuem para a alienação.

Evidentemente, também é necessário desenvolver atividades que proporcionem a vivência e a criação de novas formas de dançar. A coreografia, o tema, o ritmo e a letra devem ser definidos coletivamente. Durante todo o processo, é imperativo que a produção dos alunos seja submetida a análise e discussão.

Um trabalho sério e pedagógico com a dança requer que se identifiquem os significados que ela dissemina por meio da gestualidade, dos conteúdos das letras e, principalmente, os setores que se beneficiam com a sua comercialização.

Essa postura afasta por completo a ingenuidade nutrida por aqueles que atribuem às práticas culturais um caráter essencialista e concebem o funk como traço exclusivo de um grupo social.

*Marcos Garcia Neira é professor da Faculdade de Educação da USP. Coordenador do Grupo de Pesquisas em Educação Física Escolar

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Batidão: Uma história do funk, , Silvio Essinger. Rio de Janeiro: Record, 2005

Práticas Corporais: Brincadeiras, danças, lutas, esportes e ginásticas, de Marcos Garcia Neira. São Paulo: Melhoramentos, 2014

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